"Existe um novo e brilhante sentimento emergindo na pintura de Gilberto Salvador. Certamente é alguma coisa de muito vigoroso, pois ele é capaz de atingir as suas telas dos mais variados rasgões visuais, realizar interferências e, ao mesmo tempo, ser imprescindível ao conjunto. Não conseguimos imaginar hipotéticamente estas pinturas sem estas interferências cromáticas decididas e diretas.


Até há muito pouco tempo seria heresia falar no sentimento expresso na pintura de um artista. Justamente vivíamos o período em que a arte parecia feita por não -humanos através de uma programação computadorizada. E neste período de extrema rigidez, ao falarmos na obra deste artista, forçosamente deveríamos falar na sua emoção. Gilberto Salvador não havia cedido á voga e o seu trabalho não se resumia á uma proposta conceitual e não vinha acompanhada de qualquer bula. Para compreender o seu trabalho era fundamental olhar para as pinturas. Não havia documento auxiliar fornecendo as chaves, os pontos de compreensão, os códigos especiais e quais as revoltas que ela significava. Ou seja, a sua revolta não vinha acompanhada de um grande aparato promocional de apoio.


A pintura de Gilberto Salvador foi sempre à conclusão de um confronto que acompanha o artista. De um lado, o impulso e o registro da natureza. De outro, a reflexão sociológica e estética em torno do mundo em que vive e das funções de sua atividade. A junção destes elementos, muitas vezes entendida como orgânico e inorgânico, formava a um todo dinâmico onde, por vezes, o público poderia perder-se em contemplação. O que é certo é que esta pintura não se oferecia para uma leitura superficial e, mais do que isto, ela exigia do público uma definição e uma postura em relação à arte e à própria vida. Uma grande pretensão do artista. Mas, se os artistas não forem pretensiosos e se as suas propostas não forem as mais elevadas, por que, afinal de contas, fazer arte?


Este confronto básico, este diálogo entre duas partes, não desapareceu da obra do artista. E nem haveria possibilidade de um súbito desenvolvimento, uma vez que o conflito entre o natural e o conceitual, entre o pensamento e o sentimento, entre a harmonia e a competição, são partes integrantes da nossa época. Não há como alienar-se de algumas realidades essenciais. É claro que esta sorte de conflitos não se coloca de maneira literal ou verbal numa pintura. Trata-se de pintura e não de um discurso em torno do método.


Mas há um novo sentimento na pintura de Gilberto Salvador e ele pode ser identificado a partir de alguns dados concretos. E estes dados ligam-se em sua totalidade aos aspectos sensuais da arte pictórica. Desta maneira, podemos encontrar o uso e abuso de tintas. O pintor, como uma criança em liberdade, sente prazer na experimentação de tintas, no uso abusivo de alguns tons, na textura, na colocação de grandes manchas e na utilização de tintas de qualidade e até mesmo de funções convencionais diferentes. Gilberto Salvador, certamente um dos artistas de sua geração mais consciente do ofício da arte, desta vez mergulha fisicamente nas tintas, deixa que elas extravasem e se tornem no próprio barco que navega aventura pessoal.


A autonomia das tintas, o seu arranjo formal feito a partir de sua realidade matérica, a alegria destas grandes manchas, as brincadeiras que o artista sugere, as variações de tons e as interferências de uma cor em outra cor de maneira brusca, tudo evidencia a alegria do pintor e gozo físico no trato dos materiais da pintura. Além deste caminho autônomo para os materiais, Gilberto Salvador diverte-se na alteração de algumas funções convencionais. O que explica a utilização de tintas brilhantes de uso mias tradicional em outras áreas que no a pintura.


Também os ícones do artista sofrem modificações. O seu desenho não é estático e ele transfere para o fundo da pintura, para a superfície que receberá o motivo central, as imagens que habitualmente, se constituíam no próprio motivo de sua obra. Encontramos os seus grandes vôos, as asas abertas no céu, o movimento do corpo, servindo de paisagem sobre a qual se desenham outras cenas. Desta vez o personagem é a própria cor e o movimento anímico do artista.


Mas é preciso notar que estas imagens tradicionais, na história iconográfica do artista, não desaparecem como interesse pois, ao fundo e desligadas do centro da obra, elas destacam-se como presenças permanentes, como alertas e sinalização da vida orgânica. Também nisto, o artista brinca com seu público ele esconde as imagens, ele as torna sutis, ele as retira do centro visual da pintura e elas, inconformadas, se tornam mais presentes. Como se o artista nos perguntasse onde está verdadeiramente o motivo da pintura. Há um enorme prazer nesta elaboração. O artista percorre as várias possibilidades de sua arte e nos oferece, primeiro uma ambigüidade entre a forma e o fundo. Ás vezes, o fundo nos parece mais importante. Por outro lado, é óbvio que ele deslocou o motivo central de sua iconografia para um espaço mais modesto. Este diálogo surdo entre formas, este fascinante ir e vir de fundo e forma se constitui em primeiro ponto de atenção. O foco desloca-se para um acontecimento que se passa diante de nossos olhos. O que será o fundo ou o que será a forma? Integração na qual os nossos olhos fixam-se e o olhar desliza entre variáveis.


A pintura altera-se conforme a incidência dos raios luminosos. A utilização de cores brilhantes em conjunto com tintas tradicionais coloca esta pintura num campo de ambivalência. A luz do ambiente brinca nestas telas e o público não está apenas no ambiente sacro de apreciação de arte, mas confundem-se com os cenários de prazer da nossa época cujo arsenal principal, além do som, é exatamente a psicodelização da cor. Gilberto Salvador, matreiramente, dentro de seu trabalho, incorpora o ambiente á apreciação, inventando uma gestalt particular. E nisto repete a atitude de muitos dos principais artistas deste século que recusaram, em vários momentos, a possibilidade de voltar a valorizar artificialmente a pintura através de uma sacralização do ambiente.


O gesto tornou-se mais rápido e decidido. Ele Não apenas interfere no processo da pintura, mas se torna em seu motivo. A visão do artista passa pelo momento de sua ação física. Como se o gesto se torna-se incontido. Um cavalo que toma nos dentes os freios e faz a sua própria corrida pelos campos. É evidente que isto é uma metáfora da liberdade.


O artista se impede de ter cuidados. Ele é livre para ousar e conquistar o seu espaço pictórico. Entre ele e a tela estabelece-se uma relação que não admite nada mais do que o momento. Alguma coisa se move dentro do artista em direção a si mesmo e este diálogo se passa entre o homem que faz o gesto e o gesto que quer ser feito.


Pois este diálogo, na verdade, não tem qualquer outro interlocutor fora o artista e a sua arte. O pintor e a pintura. O gesto e a mão que faz o gesto.


Emerge desta pintura o prazer do artista em ser apenas pintor. Nada de teorias, nada de meditação ou contenção. A meditação ocorre na medida em que a pintura é em si mesmo um universo completo, contendo as formas de reflexão e de registro e invenção do mundo. É esta invenção que toma o seu destino e não permite prévias intervenções. Aqui, neste lugar, neste momento, o desejo é de expressar a glória de estar vivo. Neste momento a arte é inteiramente lúdica e o artista encontra o estado pessoal onde as coisas fluem e se organizam em plena sabedoria, pois não há outras interferências e nem aprioris. Tudo se organiza numa nova relação e este ajustamento é simples e claro, pois é a ordem natural das coisas. A simples alegria da vida."

Jacob Klintowitz
(dezembro/1986)